Tetsuya Ozaki  (Jurnalis / Produser Seni)

Saya adalah seorang jurnalis/ produser seni yang berbasis di Kyoto. Saya memulai karier saya sebagai editor dan pengulas majalah budaya yang kemudian, meluncurkan majalah seni dan majalah situs budaya. Pada tahun 2013, saya adalah Produser Umum di bagian Seni Pertunjukan “Aichi Triennale”. Saya telah merancang beberapa pameran seni juga.  

Saya juga menulis dan mengedit buku, serta menerbitkan “One Hundred Years of Idiocy” pada tahun 2002, dan “One Hundred Years of Lunacy” pada tahun 2014. Koleksi yang pertama adalah kumpulan foto-foto dokumenter, yang masing-masing menjelaskan simbol dari kebodohan umat manusia yang dilakukan di Bumi pada abad ke-20. seperti perang, diskriminasi, masalah pengungsi, perusakan lingkungan, kesenjangan ekonomi dan sebagainya. Yang terakhir mencakup kejadian serupa di abad ke-21 dan keduanya termasuk esai saya sendiri serta artikel yang disumbangkan oleh banyak penulis Natsuki Ikezawa, Yi Zheng, antropolog Claude Lévi = Strauss, pembuat film Abbas Kiarostami, fisikawan Freeman Dyson, ilmuwan politik dan sejarawan Benedict Anderson dan filsuf Bernard Stiegler. Tahun lalu saya menerbitkan buku sendiri berjudul “What Is Contemporary Art”.

Hari ini saya ingin berbicara tentang peranan penulisan seni, yang berfokus pada seni kontemporer. Saya pikir, pidato saya mungkin berlaku untuk budaya kontemporer secara umum, termasuk seni pertunjukan.

Apa masalah paling serius yang dihadapi penulisan seni saat ini?

Saya tahu bahwa semua orang di sini khawatir dengan jumlah pembaca yang menyusut. Orang-orang saat ini kurang membaca wacana artistik. Oleh karena itu pengaruh penulis seni telah menurun. Pengkritik seni, Hal Foster menerbitkan sebuah esai pada tahun 2001 dimulai dengan kalimat “Pengkritik seni adalah spesies yang terancam punah.” Setelah menyebutkan para kontributor untuk “jenis “Artforum” dan jenis “October”,” ia melanjutkan:

“Secara kelembagaan, kedua jenis kritik itu diambil alih pada tahun 80-an dan 90-an oleh sebuah jaringan penyalur, kolektor dan kurator baru yang evaluasi kritisnya, apalagi analisis teoretis, tidak banyak berguna. Memang, hal-hal seperti ini biasanya dianggap sebagai penghalang, dan banyak manajer seni sekarang secara aktif menghindari mereka, seperti halnya banyak seniman, cukup menyedihkan sebenarnya. ”(* 1)

Jurnalis seni terkenal Jerry Saltz, yang memenangkan Pulitzer Prize for Criticism tahun lalu (2018) menggambarkan perasaannya yang sebenarnya pada tahun 2006: 

“Dalam 50 tahun terakhir, tidak pernah ada dari apa yang ditulis oleh seorang kritikus seni kurang berpengaruh di pasar dibandingkan sekarang. Saya dapat menulis bahwa pekerjaan itu buruk dan tidak banyak berpengaruh, dan saya dapat menulis itu baik dan hal yang sama akan terjadi. Lakukan jika saya tidak menulis sama sekali. ”(* 2)

Dua penulis ini berspesialisasi dalam seni kontemporer dan mereka menyesali situasi, di mana kritik tidak dapat menangkal kegilaan pasar seni saat ini. Di sisi lain, kritikus film Patrick Goldstein melihat situasi yang sama dari sudut pandang yang berbeda dalam sebuah artikel yang disumbangkan ke “Los Angeles Times” pada tahun 2008, yang termasuk ungkapan serupa: 

“Kritik hari ini dipandang secara budaya sebagai dinosaurus  di ambang kepunahan.

(…) Kritik sedang dirampingkan di semua tempat, apakah itu dalam musik klasik, tari, teater atau bidang lain dalam seni. Sementara ekonomi jelas bekerja di sini – melihat model bisnis mereka runtuh, banyak surat kabar hanya memutuskan bahwa mereka tidak mampu membeli berbagai kritik lagi – tampak jelas bahwa sebenarnya kita berada di zaman dengan pendekatan yang sangat berbeda dengan peran kritik. “(* 3)

Dia melanjutkan:

“Jelas sekali, Internet telah memainkan peran besar dalam perubahan ini. Hal tersebut telah mempromosikan sebuah demokratisasi pendapat di mana penulis blog (Blogger) solo dapat melampaui organisasi berita raksasa. ”(* ibid.)

Singkatnya dalam diskusi mereka, dengan menggelembungnya pasar seni serta meluasnya penggunaan Internet dan layanan jejaring sosial, hal itu telah menyebabkan menurunnya wacana artistik dan pengaruhnya. Saya kira pemahaman ini dibagi di antara banyak anggota dunia seni. Lalu, apa yang bisa dilakukan untuk mengubah situasi ini? 

*

Sebelum memulai argumen, mari kita mengkonfirmasikan satu hal: Apa itu penulisan seni?

Secara keseluruhan, wacana artistik dapat dikategorikan ke dalam lima jenis berikut: Sejarah seni, teori seni, kritik, ulasan dan artikel terkait seni dalam jurnalisme. Batas antara masing-masing sering kabur dan beberapa wacana menggabungkan elemen dari beberapa kategori. Saya tidak berpikir bahwa perlu untuk memberikan definisi atau penjelasan untuk kategori sejarah dan teori di sini. Pertanyaannya adalah, apa perbedaan antara kritik, ulasan dan jurnalisme.

Sebuah wawancara berjudul “Apakah kita masih memerlukan kritik di zaman opini ini?” Dipublikasikan oleh “Observer” pada tanggal 18 November 2018. “The Age of Opinion” berarti waktu kita di masa ini di mana banyak orang dapat menyatakan pendapat pribadi mereka di Internet . Pengamat teater dan kritikus, Susannah Clapp menjawab pertanyaan, “Untuk apa, pada tahun 2018, kritik?” Dengan cara berikut:

“Yang terbaik, tanpa menjadi terlalu berlebihan tentang sebuah kritik, Anda harus dapat membuat kasus untuk setiap seni atau buku, atau menunjukkan sesuatu menjadi jalan ke dunia yang lebih luas, untuk membuka persepsi anda dan perlunya bagi Anda untuk memiliki ‘persekutuan yang berharga’ dengan bentuk seni. “(* 4) 

Baik dalam judul dan pertanyaannya adalah kata “kritik,” tetapi ini adalah komentar khas tentang ulasan tersebut. “Dunia yang lebih luas” harus berarti bahwa pembaca atau penonton yang potensial yang kepadanya para pengulas harus memberikan poin-poin menarik dari karya tersebut. Lalu, apa ciri-ciri wacana jenis lain? 

Tidak hanya pembaca biasa, tetapi juga beberapa penulis spesialis, mencampurkan satu jenis wacana dengan yang lain dikarenakan kenyataan bahwa ada banyak penulis yang lebih suka menyebut diri mereka sendiri seorang kritikus. Namun, ketiga jenis ini harus berbeda satu sama lain. Apa misi mereka, dan siapa pembaca masing-masing? Berikut ini adalah bagan perbandingan sederhana. 

Tentu saja, “mendorong & menginspirasi” dalam “Sebuah Misi” tidak hanya berarti “memuji”. Anda harus menunjukkan masalah, jika ada. Anda tahu apa yang mereka katakan: Singkirkan   

halangan dan manjakan anak

  | Pembaca | Misi

Kritik | seniman | seniman yang mendorong & menginspirasi untuk penciptaan

Peninjauan | penonton | penyediaan informasi & komentar tentang pekerjaan

Jurnalisme | penonton / masyarakat | penyediaan informasi & komentar tentang pekerjaan & situasi

“Artis” di dalam “Pembaca” adalah pencipta yang pada umumnya termasuk kurator dan produser, selain artis, penulis, sutradara film & teater, pemain, dll. “Penonton” termasuk seniman, dan “masyarakat” semua orang karena wacana dapat dibaca oleh siapa pun jika itu muncul di media yang terbuka untuk umum seperti koran, majalah atau situs web, yaitu kecuali jika itu adalah korespondensi pribadi dengan seseorang. Meskipun demikian banyak yang harus menyetujui bahwa pembaca utama adalah mereka yang ada di bagan ini. Dengan kata lain, pengkritik harus menulis untuk seniman, peninjau untuk audiensi, dan jurnalis untuk semua anggota masyarakat tanpa memandang siapa yang akan membaca wacana mereka.

Semua kritikus, pengulas, dan jurnalis menulis tentang karya-karya tertentu. Bidang permainan mereka, yaitu media yang mereka beri kontribusi, sering tumpang tindih, dan beberapa menulis ulasan meskipun mereka menyandang gelar ‘kritikus’, sementara yang lain menyumbangkan wacana yang tidak lain adalah kritik terhadap bagian ulasan dari sebuah publikasi. Seperti yang pertama sering terlihat dan yang terakhir berada di minoritas, mungkin ada epidemi yang disebut “kompleksitas kritik” yang membuat orang yang terinfeksi percaya kritikus hebat dan memandang rendah pengulas. 

*

Meskipun demikian, izinkan saya menjelaskan lebih lanjut tentang perbedaan antara ulasan dan kritik yang mengambil kebebasan menyamakan seniman dengan binatang. Meskipun tampaknya ada sangat sedikit seniman yang layak disebut sebagai binatang buas hari ini, pencipta dapat dianggap sebagai hewan dan peninjau sirkus pemandu. Sebagai pengunjung sirkus yang antusias, pengulas mengkhotbahkan kesenangan penghargaan dan mengajarkan poin untuk dilihat oleh pengunjung lain. Dia mungkin mengkritik koreografi atau akting hewan, tetapi dia diharapkan menghibur pembaca dengan penjelasan yang mudah diikuti dan komentar lucu untuk meningkatkan jumlah pengunjung sebagai hasilnya.

Kritik itu bukan panduan, tetapi seorang ahli dari luar dengan pengetahuan mendalam tentang sejarah biologis, kehidupan hewan, dan sejarah sirkus. Kritiknya terdiri dari “wortel dan tongkat”. Karena ia tidak disewa oleh sirkus, ia dapat mengkritik bentuk fisik, gerakan, dan akting hewan, serta pertunjukan secara keseluruhan. Namun, pemilik dan pelatih di sirkus, koreksi, produser, sutradara atau kurator, dan penikmat lainnya dapat membalas; dan tidak ada jaminan bahwa hewan akan patuh memakan wortel dan tunduk untuk dipukuli. Beberapa mungkin menyerang anda, menunjukkan taring mereka, dan beberapa mungkin mengabaikan wortel dan tongkat. Tak perlu dikatakan bahwa semakin ganas binatang itu, semakin mudah ia mengubah perilakunya.

Miles Davis membenci para kritikus. Andy Warhol berkata: “Jangan memperhatikan apa yang mereka tulis tentang Anda. “Ukurlah dalam setiap inci”. Perkataan Barnett Newman “Estetika adalah untuk seniman sebagaimana ornitologi bagi burung” juga dikenal. Seorang seniman terkenal di dunia pernah mengatakan kepada saya bahwa ia begitu sibuk memimpikan gagasan dan menciptakan karya-karya baru

bahwa dia tidak punya waktu untuk membaca kritik, dan dia percaya bahwa karya seninya akan dinilai secara historis di beberapa titik terlepas dari apakah dia membaca kritik atau tidak. Saya pikir artis-artis ini tidak bertindak keras atau sinis dan mereka berbicara dengan perasaan jujur mereka.

Namun, kritik pada dasarnya memiliki kekuatan untuk membengkokkan bahkan arah penciptaan. Misalnya, kritikus Clement Greenberg mendominasi dunia seni pertengahan abad ke-20 dengan kritik formalistiknya. Dia dikenal telah memperjuangkan ekspresionisme abstrak dan membawa pelukis seperti Jackson Pollock untuk memuji, menekankan pentingnya mengejar spesifisitas menengah – karakter dua dimensi dalam lukisan – dan menyatakan bahwa yang paling penting dari semua dalam lukisan adalah:

“Gambar pesawat itu sendiri tumbuh semakin dangkal, (…) sampai mereka bertemu sebagai satu kesatuan di atas bidang nyata dan material yang merupakan permukaan kanvas yang sebenarnya” (* 5) 

Penegasan Greenberg sangat memengaruhi banyak seniman Amerika pada zaman itu untuk membangun modernisme dalam seni dan menghasilkan gerakan artistik, yaitu ekspresionisme abstrak. Jurnalis Tom Wolfe mewakili suara dalam Morris Louis (tanpa izinnya) yang dikatakan telah menerima ucapan Greenberg secara harfiah:

“Jadi, Louis menggunakan kanvas tanpa cat dan menipiskan catnya sampai melonjak, tepat ke kanvas ketika dia menggosoknya, (…) dan dia telah melakukannya! Tidak ada yang ada di atas atau di bawah bidang gambar. (…) Tidak, semuanya sekarang ada persis di bidang gambar dan tidak di tempat lain.” (* 6)

Ada yang mengatakan bahwa hubungan antara Greenberg dan Morris tidak begitu sederhana, tetapi di samping itu, pasti ada banyak kasus dalam sejarah di mana teori atau kritik yang luar biasa mempengaruhi pencipta dan meningkatkan kualitas artistik dari karya-karya mereka selanjutnya.

Berbicara tentang semua orang  yang saya sebutkan sekarang, Miles Davis, Andy Warhol, Barnett Newman, Jackson Pollock dan Morris Louis, mereka semuanya telah mati. Ada begitu banyak wacana tentang mereka yang ditulis setelah kematian mereka. Marcel Duchamp meninggalkan komentar terkenal: “Selain itu, selalu orang lain yang mati”. Lagi pula, kami memiliki terlalu banyak kritik untuk menyebutkan bahwa berurusan dengan seniman mati dari penulis naskah kuno Yunani untuk Freddie Mercury. Wajar jika ada lebih banyak tulisan tentang orang mati daripada yang hidup karena jumlah yang pertama jauh lebih banyak daripada yang terakhir. Kritik-kritik ini menulis tentang pencipta masa lalu dan karya mereka juga akan mendorong mereka dari era ini dan masa depan jika mereka baik.

Yang penting adalah apakah kritik berkontribusi terhadap kelahiran karya baru atau tidak. Yang dari era apa pun, yang menginterpretasikan karya secara akurat, atau mengusulkan interpretasi baru dari karya itu, untuk memberikan stimulus dan petunjuk bagi mereka yang ingin menciptakan sesuatu, adalah kritik yang baik. Biarkan saya menambahkan ini ke grafik.

Subjek (apa) | Pembaca (kepada siapa) | Misi (untuk apa) 

Kritik | karya (dulu & sekarang) | seniman (sekarang & masa depan) | seniman yang mendorong & menginspirasi untuk melahirkan karya baru | karya (saat ini) | penonton / penonton (saat ini) | penyediaan  informasi & komentar tentang pekerjaan Jurnalisme | karya & situasi (saat ini) | penonton / masyarakat (saat ini) | penyediaan informasi & komentar tentang pekerjaan & situasi

Saya harus mengatakan bahwa sejarah seni, teori dan kritik tidak hanya untuk pembaca kontemporer, tetapi juga untuk pembaca masa depan. Izinkan saya menambahkan sejarah dan teori. 

Subjek (apa) | Pembaca (kepada siapa) | Misi (untuk apa)

Sejarah Seni | karya & teori (masa lalu) | spesialis & publik | penelitian & penentuan posisi 

Teori Seni | teori (dulu & sekarang) | spesialis & publik | interpretasi & pemahaman karya 

Kritik | karya (dulu & sekarang) | seniman (sekarang & masa depan) |seniman yang mendorong & menginspirasi untuk kreasi Ulasan | Karya (saat ini) | penonton (saat ini) | Penyediaan informasi & komentar tentang pekerjaan Jurnalisme | karya & situasi (saat ini) | penonton / masyarakat (saat ini) | penyediaan informasi & komentar tentang pekerjaan & situasi

Saya percaya bahwa bagan tugas ini harus disetujui oleh para profesional saat ini. Tetapi apakah tugas ini benar selamanya? Atau bahkan sekarang, apakah ini benar di era ini?

*

Sekarang, mari kita dengarkan apa yang dikatakan ahli kecantikan Boris Groys. Groys, yang dikatakan sebagai kritikus seni dan teoritikus terbaik dari generasi ini, mengklaim seperti di bawah ini dalam sebuah artikel berjudul “Under the Gaze of Theory” yang diterbitkan pada Mei 2012.

“Publik saat ini menerima seni kontemporer bahkan ketika itu tidak selalu memiliki perasaan bahwa ia” memahami “seni ini. Kebutuhan akan penjelasan teoretis tentang seni dengan demikian tampaknya sudah pasti.

Namun, teori tidak pernah begitu terpusat untuk seni seperti sekarang. (…) Saya menyarankan bahwa seniman saat ini membutuhkan teori untuk menjelaskan apa yang mereka lakukan — bukan kepada orang lain, tetapi untuk diri mereka sendiri. Dalam hal ini mereka tidak sendirian. ”(* 7)

Pada suatu waktu, membuat seni berarti memprotes apa yang dilakukan generasi sebelumnya. Tetapi hari ini, ada ribuan tradisi dan ribuan bentuk protes yang berbeda karena satu-satunya tradisi (Barat) dengan cepat dirusak. Dalam situasi seperti itu, seniman membutuhkan teori yang menjelaskan apa itu seni. Karena teori semacam itu memberi seorang seniman kemungkinan untuk melakukan universalisasi, mengglobalisasikan seni mereka. Memiliki jalan lain untuk teori membebaskan seniman dari identitas budaya mereka dan dari bahaya bahwa seni mereka akan dianggap hanya sebagai keingintahuan lokal. Itulah alasan utama munculnya teori di era kita …

Groys menjelaskan dasar argumennya dengan cara ini. Dia berpikir bahwa akhir-akhir ini teori tidak ditulis untuk penonton umum, sesama teoritikus dan peneliti, tetapi untuk seniman seperti halnya dengan kritik. Tentu saja, kita tidak harus mengabaikan fakta bahwa Groys berspesialisasi dalam seni kontemporer. Tidak seperti musik atau seni pertunjukan, seni kontemporer pasti memiliki asal di Barat (setidaknya saya dan Groys percaya begitu). Ini adalah fakta sejarah bahwa seni kontemporer telah memperluas wilayahnya dengan memasukkan seni non-Barat. Karenanya Anda berhak menuduh argumen Groys – yang mengesahkan apa itu seni dan apa yang bukan seni secara imperialis – menjadi Euro-sentris karena globalisasi telah maju terutama oleh negara- negara Barat sebagai pemain utama.

Namun saya tidak membahas masalah ini di sini. Sebagai gantinya, saya ingin menghargai stimulus yang diberikan oleh teori dan kritik untuk meningkatkan penciptaan. Beberapa teori atau kritik mendorong dan menginspirasi para pencipta secara langsung dan menunjukkan kepada mereka arah jalan di depan. Sudah diketahui bahwa Groys telah memperjuangkan Ilya dan Emilia Kabakov secara teoritis dan melalui kritik. Etimologi “kritik” adalah 

kata Yunani “krinein,” yang berarti “hakim, memutuskan”. Seorang kritikus yang baik akan menilai dan memutuskan cara bagi seorang seniman untuk menginterpretasikan karyanya.

*

Selain itu, Groys mengutarakan pendapat menarik lainnya tentang seniman kontemporer. Ia berkata: “Dalam beberapa dekade terakhir praktik seni itu sendiri telah mengalami perubahan mendasar. Pada periode ini seniman telah bermutasi dari menjadi penghasil seni yang patut dicontoh menjadi pemirsa seni yang patut dicontoh. ”(* 8)

“Memang, dari Marcel Duchamp dan seterusnya sejak Pop Art tahun lima puluhan dan enam puluhan, sang seniman secara progresif berhenti bertindak sebagai produser seni, melihat dirinya sebagai pengamat, penerjemah, dan kritik dari tanda, gambar, dan artefak yang terus diproduksi oleh masyarakat kita dan disebarluaskan secara permanen oleh media massa. Di dunia, di mana semua orang dan segala sesuatu yang dirancang secara estetika, maka elemen yang hilang adalah pengamat. (…) Fakta bahwa seni yang berkembang saat ini berusaha untuk menjadi kritis di atas segalanya menawarkan bukti yang cukup jelas tentang perubahan peran seniman dari produk menjadi penonton. (…) Artis masa kini tidak lagi menghasilkan apa pun – atau setidaknya tidak terutama, karena ia lebih memilih untuk memilih, membandingkan, memecah, dan menggabungkan, untuk mengkontekstualisasikan hal-hal tertentu dan mengesampingkan yang lain. Dengan kata lain, artis hari ini telah menyesuaikan pandangan kritis dan analitis dari penonton. “(* Ibid.)

Jauh sebelum komentar ini, Duchamp, yang telah disebutkan oleh Groys, telah membuat pernyataan pada tahun 1957 sebagai berikut:

“Secara keseluruhan, tindakan kreatif tidak dilakukan oleh artis semata; penonton membawa karya itu berhubungan dengan dunia luar dengan menguraikan dan menafsirkan kualifikasi batinnya dan dengan demikian menambah kontribusinya pada tindakan kreatif. Ini menjadi lebih jelas ketika anak cucu memberikan putusan akhir dan terkadang merehabilitasi seniman yang terlupakan. ”(* 9)

Seperti yang diketahui sebagian besar orang, setelah deklarasi yang sangat terkenal ini, Samuel Beckett menulis “What matter, who’s speaking?”, Umberto Eco menerbitkan “Open Work”, Roland Barthes “The Death of the Author” dan Michel Foucault “What Is an Author? “. Gagasan bahwa “karya seni tidak dapat diselesaikan dengan sendirinya, itu dicapai hanya ketika dihargai oleh pemirsa setelah seniman menciptakannya”. Ini adalah suatu pernyataan yang dibagikan dan diterima oleh semua orang sekarang. Filsuf Jacques Rancière melangkah lebih jauh untuk mengembangkan argumen:

“Dia (* Penonton) mengamati, memilih, membandingkan, menafsirkan. Ia menghubungkan apa yang dilihatnya dengan sejumlah hal lain yang telah dilihatnya di panggung lain, di tempat lain. Dia menyusun puisinya sendiri dengan unsur – unsur puisi sebelumnya. Dia berpartisipasi dalam pertunjukan dengan membuat ulang dengan caranya sendiri. (…) Karena itu, mereka adalah penonton dan penerjemah yang jauh lebih aktif dari tontonan yang ditawarkan kepada mereka. ”(* 10)

Jika mengakui bahwa Groys, Duchamp, dan Rancière benar, kita harus mengakui bahwa perubahan dahsyat yang kurang dipahami oleh masyarakat terjadi dalam seni di era kita, lebih tepatnya, dalam kontribusi penciptaan dan apresiasi karya seni saat ini. Tidak ada lagi batasan antara artis dan penonton, dan artis = penonton 

telah menjadi kolektor yang sekaligus mengkritik. Apa yang harus kita lakukan di situasi sosial seperti ini?

Saya pikir kita semua yang menulis tentang seni harus menulis seperti kritikus teladan. Ini adalah grafik yang saya tunjukkan kepada Anda beberapa waktu yang lalu.

Subjek (apa) | Pembaca (kepada siapa) | Misi (untuk apa) 

Sejarah Seni | karya & teori (masa lalu) | spesialis & publik | penelitian & penentuan posisi 

Teori Seni | teori (dulu & sekarang) | spesialis & publik | interpretasi & pemahaman karya 

Kritik | karya (dulu & sekarang) | seniman (sekarang & masa depan) | seniman yang mendorong & menginspirasi untuk kreasi Ulasan | karya (saat ini) | penonton (saat ini) | penyediaan informasi & komentar tentang pekerjaan 

Jurnalisme | karya & situasi (saat ini) | penonton / masyarakat (saat ini) | penyediaan informasi & komentar tentang pekerjaan & situasi

Saya ingin mengintegrasikannya sebagai berikut:

Subjek (apa) | Pembaca (kepada siapa) | Misi (untuk apa) 

Wacana artistik | karya, teori, situasi (dulu & sekarang) | seniman (sekarang & masa depan) | dorongan & inspirasi seniman untuk berkreasi

Ini adalah kesimpulan logis jika pembaca adalah artis = penonton = kritik. Misi dari lima wacana yang berbeda bertemu untuk “mendorong & menginspirasi seniman untuk penciptaan karya baru”. Semua “karya penelitian & penempatan,” “interpretasi & pemahaman karya” dan “memberikan informasi & komentar tentang pekerjaan & situasi” berfungsi untuk “mendorong & menginspirasi seniman untuk berkreasi”. Semua seniman, penonton, dan kritikus tidak menginginkan apa pun selain melihat karya-karya bagus dan terlebih lagi dengan seorang seniman = penonton = kritik. Karena itu, hal ini juga merupakan kesimpulan logis.

Biarkan saya mengambil contoh dari wacana baru-baru ini tentang seni pertunjukan: Kyoko Iwaki “On Theater Today, Berlin – Centering around Volksbühne Issue” yang diterbitkan pada Maret 2019 (* 11). Iwaki adalah peneliti teater dengan gelar Ph.D. di Goldsmiths di London University, yang mengubah dirinya dari seorang jurnalis menjadi seorang akademisi.

Seperti yang Anda ketahui, Chris Dercon mengambil posisi Intendant atau Artistic Director Volksbühne, di Berlin pada musim gugur 2017. Ini adalah teater yang didirikan lebih dari 100 tahun yang lalu dengan sejarah “yang tidak hanya terjalin erat dengan GDR (… ) tetapi juga situs utama praktik budaya kiri pasca-1989 ”menurut “Texte zur Kunst” (* 12). Dercon adalah seorang kurator dan mantan Direktur ”Tate Modern”, yang saya tuduh telah mengembangkan mempopulerkan mega museum di bawah kebijakan “Museum sebagai penghasil pengalaman dan sebagai tempat sosial dan kemasyarakatan”. Penunjukannya memicu reaksi bahkan sebelum ia menjabat. Setelah serangkaian demonstrasi dan protes serta pendudukan teater oleh para aktivis, Dercon terpaksa mengundurkan diri hanya dalam 255 hari. 

Iwaki menceritakan masalah ini secara singkat dan bertanya apakah “ini adalah pernyataan kemenangan yang membanggakan bagi kelas pekerja yang keras kepala yang telah ada dari era bekas Jerman Timur atas kurator neoliberal?” Kemudian dia mengkritik “kelas pekerja” dan “Kurator neoliberal” yang menyajikan garis besar dari teori Claire Bishop” Kotak Hitam, Kubus Putih, Zona Abu-abu “yang membahas tren tarian terkini yang dilakukan di museum-museum terutama di Inggris dan AS. Pada paruh kedua, Iwaki secara kritis menganalisis kinerja Tino Sehgal yang terjadi di Volksbühne dalam sebuah program berjudul “Samuel Beckett / Tino Sehgal” pada November 2017 saat Dercon berkuasa. Lebih tepatnya ia mengkritik mise en scene (penataan pemandangan dan properti panggung dalam sebuah drama). dan hubungan antara tempat itu dan para penonton dengan menggunakan argumen Bishop. Iwaki menyatakan bahwa “sayangnya zona abu-abu yang seharusnya berada di antara kotak hitam dan kubus putih tidak muncul di serambi Volksbühne” karena jarak antara globalisasi dan lokalitas, yang sulit dijembatani. Dan dia menyimpulkan bahwa “kesalahan perhitungan fatal Dercon, yang telah terbiasa berurusan dengan pengunjung terkuantifikasi di pasar internasional, adalah bahwa dia menirukan, dengan cara yang sama, orang-orang dari Volksbühne, yang paling dikenal di Jerman sebagai masyarakat yang menempatkan teater yang bernilai tinggi pada sejarahnya, fitur budaya dan karakteristik daerah “, dan bahwa” mungkin teater adalah salah satu perangkat sosial yang tidak boleh disamaratakan “.

Mungkin ada beberapa perdebatan mengenai evaluasi karya Sehgal (saya tidak punya pendapat karena saya tidak melihatnya), namun saya pikir artikel Iwaki memenuhi persyaratan yang diperlukan untuk wacana artistik hari ini: ini berkaitan dengan karya, teori dan situasi, ditulis untuk seniman saat ini dan masa depan = penonton = kritik untuk mendorong dan menginspirasi mereka untuk menciptakan karya baru. Itu sebabnya saya memperkenalkannya sebagai contoh.

*

Sekarang, saya akan bebas berbicara tentang buku saya “What Is Contemporary Art?”(“Apakah Seni Kontemporer Itu?”). Ketika saya menyumbangkannya pada majalah web Newsweek Jepang sebagai artikel berseri, artikel itu berjudul “Players of Contemporary Art”*(“Pemain Seni Kontemporer”). Saya menjelaskan peran kolektor, galeri, kurator, kritikus, dan seniman di paruh pertama buku ini. Berikut daftar isi.

————————————————————————————————

Prolog: Venice Biennale – Ladies and Gentlemen Gathering di Lagoon City

Bab1: Pasar – Medan Pertempuran Naga Raksasa Ganas

Naluri Berburu Para Bilioner / Pertempuran dari Para Kolektor Super / Tuan Putri adalah Pembeli No.1 / Penyalur: Kemuliaan dan Kegelapan Kekaisaran Gagosian / “Kekuatan 100” – Dibalik Cermin Pencerminan Dunia Seni

Bab 2: Museum – Masalah dari Istana Seni dari dalam dan luar

Pengunduran diri mendadak dari Direktur Hong Kong M + / ‘Peraturan’ Museum di Spanyol, Korea dan Jepang / Bertarung melawan Koleksi Tak Terlihat / MoMA di luar kursus / (Pertukaran Secara Modern (Tate Modern) di luar kursus /

Bab 3: Kritik – Krisis dari Kritik dan Teori

Kritik sebagai Spesies yang Terancam Punah / Teori dan Pergerakan sebagai Spesies yang Terancam Punah / Di Mana Saja Semua Estetika Hilang?/ Pandangan Teori Boris Groys

Bab 4: Kurator – Keseimbangan antara Sejarah dan Kemanusiaan

“Penyihir Dunia” dan Dokumen IX / Jean-Hubert Martin: Sex, Kematian dan Antropologi / Jan Hoet: Pembukaan “Sirkuit Tertutup” / “Vertikal” Hoet dan “Horisontal” Martin

Bab 5: Seniman – Apakah Rujukan pada Sejarah Seni Diperlukan?

Seni Kontemporer di Jepang dan “Standar Dunia” / Perjuangan Hito Steyerl dan Hans Haacke / Kutipan dan Referensi – Definisi “Seni” Yang Goyah / Samuel Beckett dan Seni Kontemporer / Setelah Uruch Duchamp

Bab 6: Penonton – Apa Itu Penerjemah Aktif?

Perubahan Peran Pemirsa / Tiga Elemen Utama Seni Kontemporer

Bab 7: Motif dari Seni Kontemporer

1) Mengejar Indera Visual Baru dan Sensasi / 2) Eksplorasi dari Media dan Persepsi / 3) Referensi dan Penolakan terhadap Sistem Seni / 4) Aktualitas dan Politik / 5) Pemikiran, Filsafat, Ilmu Pengetahuan, Pengakuan Dunia / 6) Pencermonan Diri, Memori, Sejarah, Komunitas / 7) Erotika, Naluri Kematian, dan Kesakralan

Bab 8: Penilaian Seni Kontemporer

Bab 9: Krisis Lukisan dan Fotografi

Epilog: Seni Kontemporer Di Masa Sekarang dan Masa Depan

————————————————————————————————

Ada banyak alasan mengapa saya menulis buku ini. Yang paling mendasar adalah bahwa tampaknya ada beberapa orang yang dengan serius memikirkan pertanyaan “apa itu seni kontemporer?” Bahkan di dunia seni. Saya tidak akan mengatakan bahwa pertanyaan ini tidak ada sebelum era seni modern, tetapi di zaman kita, tanpa pertanyaan radikal ini, penciptaan maupun penghargaan tidak akan mungkin terjadi. Namun sejauh ini, banyak orang tampaknya acuh tak acuh tentang hal itu.

Meskipun demikian, segelintir orang yang serius memikirkannya dan tidak akan menjelaskan apa itu seni kontemporer dengan benar. Hal ini terutama disebabkan oleh pengunduran diri sehingga hanya sedikit orang yang dapat memahaminya, atau oleh kaum elitisme bahwa itu akan cukup jika hanya sedikit orang yang dapat memahaminya. Saya pikir kecenderungan ini hanya ditemukan di dunia non-Barat, tetapi pada kenyataannya, tampaknya situasinya hampir serupa di Eropa dan Amerika Serikat, asal seni kontemporer. Itulah sebabnya banyak orang meratapi kemunduran kritik. Dengan mengesampingkan negara-negara Barat, saya ingin meminta perhatian pembaca Jepang pada pertanyaan tentang mendefinisikan seni kontemporer.

Untuk melakukannya hal tersebut, pertama saya harus berpikir dan terutama bahwa saya harus memperkenalkan apa yang sedang terjadi di dunia seni sekarang. Sangat disayangkan bahwa di Jepang, berita internasional tidak cukup dibaca atau ditonton karena kendala bahasa. “ART iT”, majalah seni dwibahasa Inggris-Jepang yang saya buat pada tahun 2003, hanya menjalankan versi situs sekarang. Majalah seni Jepang lainnya “Bijutsu Techo” yang pertama kali diluncurkan pada tahun 1948 tidak pernah ditulis dalam dwibahasa, dan dijual ke perusahaan lain pada tahun 2015 setelah

mengalami kesulitan finansial. Sejak itu, majalah ini menjadi dua bulanan dari bulanan. Jurnalisme seni Jepang sedang menghadapi situasi kritis.

Karena alasan itu, buku saya mengulas situasi kancah seni internasional saat ini, mengambil peristiwa-peristiwa penting sejarah seni (khususnya setelah 1989) dengan komentar, memperkenalkan teori untuk dibaca sesaat, dan mengkritik beberapa karya sambil memprakarsai bagaimana menghargai seni.

Saya ingin menekankan bahwa dalam buku ini saya juga menulis tentang situasi sosial. Seni adalah bentuk ekspresi yang telah ada begitu lama dan beragam sesuai perkembangan zaman. Dalam hal ini, seni tidak dapat dipisahkan dari masa lalu dan

bersifat kontemporer, misalnya sejarah secara umum dan masalah saat ini. Terutama di “era Trumpisme” ini di mana para politisi dengan tangan besi seperti Donald Trump, Vladimir Putin, Xi Jinping, Narendra Modi, Kim Jong-un, Benjamin Netanyahu, Recep Tayyip Erdoğan, György Orbán, Rodrigo Duterte, dan Shinzo Abe atau beberapa nama, yang membual tentang mempublikasikan “bangsa mereka di depan umum” adalah negara yang berkuasa, itu wajar bahwa seniman layak menjadi sensitif terhadap situasi politik dan sosial. Tidak perlu dikatakan bahwa kita memiliki begitu banyak kekhawatiran tentang waktu, seperti monopoli data oleh perusahaan IT raksasa misalnya GAFA, masalah ekologi, pertanyaan etika mengedit genom diantara hal yang lain.

Seperti yang saya sebutkan sebelumnya, saya menulis, mengedit, dan menerbitkan dua buku One Hundred Years of Idiocy and One Hundred Years of Lunacy di mana saya memperdebatkan masalah seperti perang, diskriminasi, pengungsi, perusakan lingkungan, perbedaan antara si kaya dan si miskin dan begitu seterusnya. Sejauh ini masalah ini telah berkembang dan menyebar dengan gila-gilaan. Artis hari ini mungkin tidak berurusan dengan mereka berdasarkan preferensi, tetapi tidak mengherankan bahwa masalah ini menyangkut mereka.

Saya kira itu adalah kepercayaan umum bahwa seniman dan orang seni harus belajar sejarah seni. Masuk akal bagi seorang profesional, tetapi di era ini Anda tidak harus menjadi seorang kutu buku seni. Anda lebih suka mengetahui berbagai kejadian di zaman kita serta sejarah yang menyebabkannya, dan atas dasar itu, anda memiliki perspektif anda sendiri. Kita harus mengingatnya dengan kuat sebagai seorang seniman = penonton = kritik.

Di awal pidato ini, saya mengatakan bahwa masalah paling serius untuk penulisan seni hari ini adalah menyusutnya jumlah pembaca. Namun saya tidak pesimis tentang masa depan kita. Dalam semua era sejarah, orang mengharapkan karya-karya bagus, dan jika demikian, wacana yang baik yang mampu mendorong seniman tidak diragukan lagi harus dibaca. Sekalipun mereka tidak dibaca pada waktu mereka ditulis, ada kemungkinan bahwa pembaca di masa depan akan (kembali) menemukannya. Hal yang sama dapat terjadi tidak hanya pada seni, tetapi juga pada seni pertunjukan, sastra, film, musik dan sebagainya. Yang penting adalah Anda harus selalu mencoba menulis wacana tingkat tinggi yang cukup layak untuk dibaca.

(*1) Hal Foster, ‘Art Agonistes’, New Left Review, March/April 2001

 (*2) Jerry Saltz, “Silence of the Dealer”, Modern Painters, September 2006

 (*3) Patrick Goldstein, “The End of the Critic”, Los Angeles Times, April 8 2008

 (*4) https://www.theguardian.com/culture/2018/nov/18/do-we-still-need-critics-susannah-clapp-simran-hans

 (*5) Clement Greenberg, “Towards a Newer Laocoön”, Partisan Review, June 1940

 (*6) Tom Wolfe, The Painted Word, 1975 

 (*7) https://www.e-flux.com/journal/35/68389/under-the-gaze-of-theory/

 (*8) Boris Groys “Installed Viewers”, Ilya & Emilia Kabakov: Where Is Our Place?, 2004

 (*9) Marcel Duchamp, “The Creative Act”, 1957

 (*10) Jacques Rancière, The Emancipated Spectator, 2008 

 (*11) Kyoko Iwaki, “On Theatre Today, Berlin – Centering around Volksbühne Issue”, Butaigeijutsu (Performing Arts), No.22, Spring 2019

 (*12) Sven Lutticken, “On the Volksbühne Occupation”, Texte zur Kunst, October 3 2017